Interpretación: Luz Arcas, Begoña Quiñones, Ignacio Jiménez y Juan Manuel Ramírez Composición e interpretación musical: Carlos González Coreografía: Luz Arcas Iluminación: Miguel Ángel Camacho Vestuario: Tenkey y Ana Montes Fotografía: Javier Suárez y Eva Viera Vídeo: Javier Suárez Diseño gráfico: María Peinado Dirección y Dramaturgia: Luz Arcas y Abraham Gragera.
La voz de nunca
Inspirada en Esperando a Godot, de Samuel Beckett
La obra de Samuel Beckett se suele interpretar como una exposición de la desesperanza, de la angustia, la soledad y la degradación humanas. Sobre esta lectura superficial de Beckett se erigen los lugares comunes del pensamiento y poética posmodernos.
La Phármaco baila el Beckett que anticipa la tragedia contemporánea (del siglo XX pero sobre todo de nuestro siglo), en la que el sentimiento romántico se sustituye por el mito de la nada: el hombre se enfrenta con su insignificancia para rendirle culto; la nueva religión exige sus propios ritos.
Los personajes de Beckett superan el solipsismo y sólo son a través del otro: “el amor es ese intervalo donde se persigue hasta el infinito una especie de indagación sobre el mundo (…) El amor es cuando podemos decir que tenemos el cielo y el cielo no tiene nada” (Alain Badiou enBeckett. El infatigable deseo.)
¿Y si después de Beckett, Esperando a Godot sólo fuera posible como danza?
La voz de nunca es una obra escénica total donde confluyen movimiento, palabra y música interpretada en directo por un pianista. La música original toma como punto de partida el Claro de Luna de Beethoven y la Sonata para viola de Shostakovich.
La obra es una co-producción con la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, cuenta con el apoyo del Centro de Danza Canal y el patrocinio de la firma Tenkey.
El estreno absoluto de La voz de nunca fue en julio de 2014 en la feria de Teatro en el Sur (Palma del Río, Córdoba)
«Más allá de la impecable belleza del montaje y de la abrumadora calidad técnica, no recuerdo haber visto un Beckett tan puro. Ni tan necesario»
Éxodo: primer día
Inspirada en Edipo en Colono y Antígona de Sófocles
Se estructura en episodios bailados y estásimos (intervenciones del coro) cantados y cuenta el camino de Edipo y Antígona al bosque de Colono, la muerte de Edipo y el regreso de Antígona a la ciudad de Tebas.
La danza se inspira en la iconografía griega antigua y la música, original e interpretada en escena por una soprano, vientos y percusión, parte de recreaciones musicales de la misma época.
La obra cuenta con el apoyo del Centro de Danza Canal, ha sido nominada a los Premios Max y Premios del Teatro Andaluz (2014) por Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femenina de Danza (Luz Arcas). Forma parte del catálogo del AECID (2015).
El estreno absoluto de Éxodo: primer día fue en septiembre de 2013 en el Teatro Romano de Baelo Claudia (Bolonia).
Baile: Luz Arcas, Regina Navarro y Ana Catalina Román Interpretación y Composición musical: Laura Fernández, Voz, Corifeo Mariano Peyrou, viento y Xosé Saqués, percusión Coreografía: Luz Arcas Iluminación: Jorge Colomer Vestuario: Rosa López Fotografía: Javier Suárez Diseño gráfico: María Peinado Dramaturgia y Dirección Escénica: Luz Arcas y Abraham Gragera
«Es un espectáculo madurado y elegante, muy sobrio en sus estructura, y con una serie de elementos balanceados (…) La pieza es de una intensa fuerza poética (…) El tema encuentra en esta coreógrafa un actual asidero, una manera de acercar lo clásico con latente actualidad: los ancianos, como cargan la responsabilidad patrimonial, el desastre moral como herencia principal y acaso la culpa en forma de sombra suicida»
«El solo de Luz Arcas con el cayado es uno de los acontecimientos más hermosos que un servidor ha visto en un escenario. El viaje a la semilla se hace fecundo. Quedarse preñado es un gozo»
Sed erosiona
Obra en tres actos para una bailarina y una soprano. Una recreación física y poética de los mitos clásicos de Kore -la niña, el antiguo nombre de Perséfone antes del rapto de Hades, asimilada también al exilio del alma en el mito de Eros y Psique- y Eros Psicompo -el que conduce las almas al inframundo.
El concepto coreográfico desarrolla una intuición: cuando un cuerpo baila, todos los cuerpos -presentes, pasados y los porvenir- bailan con él. Cualquier anatomía tiene memoria de todas las anatomías, el cuerpo contiene dentro de sí el lenguaje físico del Tiempo.
La danza se acompaña de la voz de una soprano que interpreta en escena temas populares y de la música clásica.
La obra cuenta con el apoyo del Centro de Danza Canal.
El estreno absoluto fue en mayo de 2012 en el Instituto Cervantes de Casablanca.
Interpretación y Coreografía: Luz Arcas Voz: Laura Fernández y Rosa Miranda Iluminación: Jorge Colomer Fotografía: Celia Mondéjar y Raúl Barrio Fotografía de Cartel y Programa de Mano: Raúl Barrio Diseño gráfico: María Peinado Dramaturgia y Dirección Escénica: Luz Arcas y Abraham Gragera
«Con una redacción sobria y de hondura, Luz Arcas compromete el tiempo y el espacio en una síntesis que dura lo justo. La música en directo interpretada por la voz a capela de una soprano, concede un carácter ritual a las escenas y aporta una distancia elegante. Trabajar sobre el concepto de solo de danza ha llevado a la bailarina hasta el enfrentamiento con un imaginario y un enorme espejo referencial»
«Luz Arcas ofrece una entrega física descomunal, que despierta en el espectador, además de una admiración por su honestidad artística, un sentimiento elegíaco que embriaga el espíritu sin capacidad de librarse de él»
Antes fue siempre fuego
Antes fue siempre fuego baila la necesidad de construirnos en un mundo y ser imagen y semejanza, de sabernos formas inseguras e intentar mantenerlas bajo control. Es el tiempo de la forja, del fuego, el golpe y la materia, un encuentro en la docilidad, una encarnación de sus sentidos y direcciones.
Dos cuerpos que no bailan sino que son bailados. Se vuelven dóciles, como espejos anatómicos a la espera de la correspondencia física, soportando su fugacidad, sostenidos en lo frágil. Condenados a ser siempre germen, a estar siempre atentos a la posibilidad de acceder al vínculo, como si ese acceso fuese la última esperanza de la belleza.
Antes fue siempre fuego está inspirada en el mito de Prometeo, los escritos de Heráclito y de Paracelso. En escena, la danza se acompaña de temas originales y otros de Henry Purcell, interpretados en directo por una soprano, viola de gamba y tiorba.
La obra se estrena en el Festival Escena Contemporánea (Madrid) en febrero de 2012.
Interpretación y Coreografía: Luz Arcas y Koke Armero Espacio sonoro: Illo Muriel Interpretación musical : Manuel Casas, tiorba, Rosa Miranda, voz e Illo Muriel, viola da gamba Música original: Henry Purcell Diseño gráfico: Toño F.M Iluminación: Diego Domínguez y María Otero Vestuario y Espacio Escénico: La Phármaco Realización de vestuario: Eva Arinero Realización de escenografía: Israel Muñoz, Muneka Producciones y Koke Armero Fotografía: Raúl Barrio Diseño gráfico: María Peinado Dirección y Dramaturgia: Luz Arcas
El monstruo de las dos espaldas
El monstruo de las dos espaldas está inspirado en El Banquete de Platón, en concreto, en el mito del andrógino narrado por Aristófanes: Queremos llevar el deseo al movimiento. Construir la danza del deseo y su enfermedad. Dos cuerpos que se entregan sin condiciones, hasta perder su forma, hasta deformarse en un monstruo de dos espaldas. Habitan el exceso de su nueva anatomía.
Queremos bailar el desgaste del deseo, someter al monstruo al sucederse del tiempo, bailar el tránsito del encuentro al desencuentro físico, para detenernos en la fractura: el regreso de cada cuerpo a su anatomía única. A solas, cada cuerpo baila su réquiem. Un llanto por la mitad perdida.
El acto desesperado de amar lo que se encuentra lejos.
La obra se estrena en Teatro Pradillo (Madrid), en marzo de 2010.
Interpretación y Coreografía: Luz Arcas y Koke Armero Espacio Sonoro: Illo Muriel Iluminación: Luis Enrique Soria Vestuario y Espacio Escénico: La Phármaco Fotografía: Gustavo Rebollo Diseño gráfico: María Peinado Dirección y Dramaturgia: Luz Arcas
